Marxismo, Materialismo y Arte - artículo de Rupert O'Shea

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RioLena
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Marxismo, Materialismo y Arte - artículo de Rupert O'Shea

Mensaje por RioLena el Vie Feb 24, 2017 8:44 pm

Marxismo, Materialismo y Arte

artículo de Rupert O'Shea

El marxismo a menudo se define como socialismo científico. Eso lo convertiría en una ciencia aplicada con una finalidad específicamente política. Por ejemplo, cuando Engels pronunció la oración fúnebre de Marx, dijo que Marx fue, sobre todo, un revolucionario. Sin embargo, una premisa básica de la perspectiva de Marx era que la revolución sólo puede tener éxito si se basa en una comprensión de los procesos que se desarrollan en la sociedad en su conjunto.

De hecho, el mundo social de las personas es sólo parte de una realidad material más amplia que es una vasta red de interconexiones. Es por ello que el marxismo, como la ciencia de la revolución, no puede estar perfectamente separado de la ciencia en su conjunto. Un aspecto de este enfoque holístico es que el marxismo debe tener un interés científico y práctico en el arte, un fenómeno que a veces puede parecer muy separado de la política.

Idealismo y materialismo, filosofías del arte

Ciencia y arte a menudo se contraponen como esfuerzos humanos completamente separados. Ciertamente, la ciencia no es arte. Pero la ciencia no es también sexo o amor o un juego de fichas. Lo que esos fenómenos y el arte tienen en común es que son sujetos de la experiencia de la consciencia humana. Pero el análisis científico se puede centrar en cualquiera de ellos sin pretender reducirlas a conjuntos de leyes científicas. Cualquier estudio serio de arte muestra que, mientras que el arte puede tener su propia dinámica, que está claramente enraizada en un contexto histórico más amplio y que incluso el arte más refinado y abstracto tiene un impacto de algún tipo en el mundo que lo rodea. Sin embargo, no es un mito persistente que el arte es un modo de expresión que refleja sólo el espíritu del artista y la historia previa de arte en sí mismo. Este mito es un aspecto de la filosofía idealista burguesa, la noción de que las ideas de las personas determinan la historia, mientras que las ideas mismas solamente están influenciadas por el desarrollo previo de las propias ideas. En este punto de vista de la historia, un gran artista puede tener un impacto en la historia, pero él o ella lo hace como un acto de genialidad que tiene sus raíces sólo en el propio espíritu del artista. Esta negativa a entender las bases del arte en su contexto material explica por qué la filosofía idealista le resulta tan difícil de definir incluso lo que es arte. Sin un contexto más amplio, cualquier definición debe ser en cierta medida arbitraria.

El materialismo dialéctico sostiene que la comprensión del mundo no puede proceder de las definiciones fijas de sus partes componentes. Tenemos que comenzar con conceptos como herramientas para examinar el mundo. Sin embargo, estos conceptos deben considerarse, al menos inicialmente, como provisionales, que necesitan ser revisados y refinados a la luz de la evidencia material. Mejores conceptos resultan en mejores preguntas que se pueden utilizar para explorar el mundo real. Esta fructífera interacción entre las ideas y el mundo material de los que forman parte es particularmente necesaria si queremos entender un concepto tan difícil de alcanzar como el arte.

Así que vamos a empezar con una definición provisional sencilla de arte y luego usarla para explorar el mundo material. Nuestro objetivo no será lograr una definición oportunamente superior de arte sino ganar un poco de comprensión de cómo el arte se ha desarrollado en un mundo cambiante. Este método histórico se utilizará para relativizar nociones burguesas convencionales del arte. También vamos a querer sacar algunas conclusiones políticas, por supuesto.

Belleza y Comunicación

El arte como tal es un concepto moderno. La idea de que es una tarea que puede ser continuada por su propio bien sólo se desarrolló en la época burguesa. Sin embargo, las personas modernas pueden reconocer el arte o quizás más exactamente, artesanías (habilidad artística) en muchas de las producciones de las culturas antiguas. Así que, en un sentido más amplio, hay claramente algo intercultural sobre el arte, algo que es universal para los seres humanos. Sin embargo, la producción artística ha tenido muchos propósitos en la historia y este sigue siendo el caso hoy en día. Por ejemplo, uno de los motivos del arte puede ser para inspirar miedo. Éste plausiblemente se puede atribuir a artefactos tales culturalmente dispares como esta tradicional máscara ceremonial Dogon de Mali y la pintura del artista español Francisco de Goya “Saturno devorando a su hijo” (ca. 1819-1823).

Estas obras aterradoras personifican dos aspectos claves del arte en general. En primer lugar, se relacionan con las emociones, en estos casos particulares de una manera bastante obvia. En segundo lugar, su impacto se deriva de la capacidad del artista para aproximarse al sentido belleza del espectador. Un garabato mal ejecutado sobre el mismo tema de un niño no tendría el impacto de la pintura de Goya, un reconocido maestro de quien incluso la realeza española se preparó para encargar retratos poco halagüeños, pero vivos como el de Carlos IV de España y de su familia (1800 ).

Las motivaciones específicas para la producción artística pueden variar tan ampliamente que la única intención que realmente podemos atribuir al arte en general es la comunicación. Podemos definir provisionalmente el arte como un medio de comunicación que se basa, al menos en parte, de su eficacia para relacionar las emociones y el sentido de la belleza de los espectadores, o la detección de la falta de la misma. Esto no excluye, por supuesto, la posibilidad de que los productos artísticos pueden tener efectos adicionales que no tienen nada que ver con la comunicación: la arquitectura proporciona refugio, por ejemplo. Por supuesto esta definición plantea dos preguntas. ¿Qué es la belleza? Y ¿por qué se asocia con la comunicación? La primera pregunta debe tenerse en cuenta en primer lugar.

Si no tenemos cuidado, podemos terminar con definiciones circulares por el que la belleza es la que se produce por el arte y el arte es la actividad humana que produce la belleza. Pero no hay que caer en esa trampa. La percepción de la belleza no se limita a los productos del trabajo humano. La gente puede ver la belleza en una vista del paisaje o de un rostro humano. Pueden degustar, oler, sentir, ver y, a veces incluso oír (el sonido crujiente por ejemplo) en la belleza de la buena comida.

La evolución biológica de la capacidad de experimentar la belleza no se entiende bien. Pero al menos podemos hacer algunas sugerencias. La belleza es un tipo de placer. Al igual que todos los animales, los humanos evolucionaron para encontrar placentero aquello que requieren para sobrevivir y reproducirse. El ejemplo clásico de esto es el sexo, por supuesto. No sólo es el acto reproductivo físicamente placentero, el sexo también se asocia con la belleza de varias maneras. Por ejemplo, se ha demostrado que una cara hermosa es esencialmente una cara normal o promedio. Cualquier cara que se desvía de la norma, por ejemplo, por ser particularmente asimétrica, puede ser evidencia de una enfermedad o anomalía del organismo en su conjunto y por tanto, una falta de aptitud para la reproducción. El valor de supervivencia de la búsqueda de grandes vistas del paisaje es probablemente, que éstos tienden a revelar posibles oportunidades y peligros.

Así que la belleza puede ser visto como un tipo de placer que está sólo indirectamente ligada a la supervivencia. Cuando admiramos un paisaje verde, no necesariamente tenemos la intención de comer cualquiera de las cosas en el paisaje más de lo que estamos necesariamente interesados en tener relaciones sexuales con cualquier persona que nos encontremos que tenga una cara hermosa. Pero la gente también puede encontrar hermoso las cascadas y el sonido de susurro de las hojas en el viento. ¿Cuál es el valor de supervivencia de eso? En tales casos, es probablemente cierto que simplemente estemos encontrando algo útil hermoso. Pero eso es, probablemente, el reconocimiento de patrones, una habilidad muy básica, pero crucial. Un patrón significa regularidad lo que significa previsibilidad que significa supervivencia. Más específicamente, el reconocimiento de patrones es la clave para la solución de algunos de los más profundos problemas. La solución de problemas en sí mismo es un ejemplo más de lo que la gente ha evolucionado para disfrutar, ya que les hace sentir bien.

¿Por qué entonces el sentido de la belleza o falta de ella juegan un papel tan importante en la comunicación humana? Los antepasados de los humanos modernos eran animales sociales mucho antes de que fuesen humanos. La comunicación dentro de la misma especie es crucial para la interacción social y la producción. Es fácil para los humanos asumir que el lenguaje es la forma más importante de la comunicación. Sin embargo, nuestros antepasados se comunicaban entre sí millones de años antes que el lenguaje fuese completamente desarrollado en algún momento hace 200.000 y 50.000 años. Más específicamente, es fácil para la gente moderna asumir que el discurso racional es la forma más eficaz de comunicación. Sin embargo, aún hoy en día esto no es siempre es el caso, como las técnicas de publicidad muestran, por ejemplo. Teniendo en cuenta el atractivo del arte a las emociones y cuán eficaces pueden ser tales atractivos para el logro de objetivos, no es de extrañar que el arte sea tan antiguo como la humanidad.

Ya que el arte es una forma de comunicación, podemos ver por qué obras de arte contienen a veces deliberadamente elementos decididamente feos, lisos o banales. En ciertas culturas, las formas de arte desarrollan sistemas de significado análogo al lenguaje. Elementos que no son convencionalmente bellos pueden mejorar la comunicación artística por el contraste que ofrecen. Obras que contienen tales elementos "negativos" todavía se reconocen como arte y tienen un impacto debido a su contexto. Tomemos un ejemplo extremo. La obra del artista británico de Tracey Emin “My Bed” (1997) consiste en su cama desordenada y objetos asociados en desorden abyecta. Si hubiese entrado en la habitación de Emin en algún momento de 1996 y visto en ese estado, nunca se le habría ocurrido pensar que parte de su contenido componía una obra de arte. Sean cuales sean sus otros méritos, parte de lo que hace “My Bed” una obra es que Emin, un artista establecido, aisló de la cama y los demás objetos de su contexto original, su dormitorio, y afirmó que en verdad todos ellos constituyen una obra de arte. En 1998, la obra fue expuesta en la Tate Modern, el destacado museo de arte moderno de Gran Bretaña, y nominado para el Premio Turner, premio de arte superior de Gran Bretaña: claramente una sección de la clase que dirige el arte había decidido que no era sólo una obra de arte, sino una muy buena. Este punto de vista refleja los valores y preocupaciones de los coleccionistas burgueses que dominaban el mercado del arte británico actualmente; para el público más amplio de observadores del arte, es y sigue siendo controvertida.
Y de hecho lo que se considera bello es, hasta cierto punto subjetivo. La fealdad espantosa de hoy puede ser el gran arte del mañana. En 1958, Ira Gitler, un crítico que escribe en la revista de jazz Downbeat, describió los innovadores solos de saxofón de John Coltrane como "páginas de sonido”. El punto de vista de Gitler no era antipático, pero mostró su perplejidad. Cuando oigo los solos de Coltrane, “páginas de sonido” parece una descripción totalmente inadecuada, sugiriendo como lo hace una masa indiferenciada. Más bien, oigo una rápida cascada de Coltrane de notas como un flujo melódico intrincada en constante cambio de la inventiva asombrosa. A mis oídos, esto es una de la más bella música de siempre.

Arte de la edad de piedra

Una vez que la gente se convirtió en animales laboriosos en lugar de animales consumistas, produjeron deliberadamente cosas que eran hermosas, así como útiles en otras formas. La evidencia arqueológica de pinturas rupestres y perlas talladas en tumbas muestra que el arte es tan antiguo como la propia producción. Como hoy en día, muchos artefactos edad de piedra son a la vez hermosos y funcionales. La simetría de una punta de lanza de piedra no sólo hace bello al objeto, sino que también hace que sea más eficaz como arma. El deseo de hacer objetos bellos puede haber ayudado a los inventores de puntas de lanza llegar a diseños eficientes de forma más intuitiva. Pero las pinturas rupestres, collares y flautas de hueso no tienen valor intrínseco aparte de su belleza, al menos desde el punto de vista de la gente moderna que los ve en libros y museos. Es por eso que la gente suele clasificar los objetos y no puntas de lanza como arte edad de piedra. Pero ¿vamos a creer que estos objetos fueron producidos simplemente para satisfacer un deseo abstracto de crear belleza? No tenemos evidencia directa de la motivación prehistórica, pero eso parece muy poco probable, por varias razones.

Una imagen puede contar una historia y una canción enviar un mensaje. Así que buscamos no sólo su belleza sino también lo que significa el arte en la edad de piedra. Después de todo, algunos de estos objetos tomaron un gran esfuerzo producirlos. Una gran colección de cuentas de piedra talladas encontradas en la tumba de un niño se ha calculado haber tomado miles de horas para hacerlas.

Con el fin de atraer a sus parejas, algunas aves gastan una gran cantidad de energía desarrollando partes del cuerpo, aparentemente inútiles como la cola de un pavo real o incluso hacer objetos inútiles, como la colección de un pájaro glorieta de tesoros azules. En la teoría de la evolución, esto es la selección sexual. Pero hay muy poco de este comportamiento en los mamíferos. Los pueblos históricos con tecnología de la edad de piedra han sido estudiados por los antropólogos. Atraer compañeros es sólo uno de los muchos motivos para la producción artística entre esos pueblos. Por lo tanto, es poco probable que el arte se desarrollara a través de la selección sexual.

Más bien, el arte en las sociedades primitivas siempre está vinculado a prácticas rituales destinados a garantizar el bienestar de los practicantes y sus comunidades de diversas maneras. Paralelismos con el arte prehistórico sugieren fuertemente una motivación similar en aquellos días. Por ejemplo, se ha sugerido que el arte rupestre se hizo como una práctica mágica en un intento de hacer que los artistas más capaces de cazar los animales pintaran. Pero muchos de los animales pintados eran depredadores, no presas. Así que una mejor explicación se puede probablemente encontrar en los famosos tótems de los americanos nativos del noroeste del Pacífico. El objetivo aquí es que la gente adquiriera las características de los animales retratados: la fuerza del oso, la ferocidad del león, la visión de águila. Los tótems también ayudan a la integración social al proporcionar símbolos de la identidad compartida de tribus y así sucesivamente. De hecho ningún arte primitivo es producido porque sí. Los pueblos primitivos ni siquiera tienen una palabra para el arte. Lo que llamamos producción artística está indisolublemente ligada a la cultura como un todo, así como las personas se organizan juntas y hacen cosas para sobrevivir y reproducirse. Es evidente que la noción burguesa convencional del arte como algo separado del resto de la realidad, para ser entendida sólo en sus propios términos, no tiene ningún sentido en absoluto en estas sociedades.

Arte en las sociedades de clases pre-capitalista

En las sociedades de clases pre capitalistas, el arte tenía algunos de los mismas razones y algunas nuevos. Lo que diferencia las economías políticas de todas estas sociedades de clases de las economías de los cazadores-recolectores y de los primeros agricultores y pastores fue la existencia de suficientes excedentes económicos para apoyar una clase ociosa de consumidores con el apoyo de las clases explotadas y oprimidas de los productores. Las clases ociosas tenían tiempo para producir arte por sí mismos y el poder para hacer que las otras personas produjeran para ellos. Esto permitió la producción de arte en una escala mucho mayor y con mucha más grandeza y sofisticación de lo que había sido posible anteriormente.

Tomemos la Europa feudal de la Edad Media, por ejemplo. Casi todos los pintores y músicos profesionales trabajaron para reyes, señores y especialmente la iglesia. El arte religioso en particular, no fue hecho para la auto-expresión de los artistas, algunos de cuyos nombres son aún conocidos, sino para educar a las masas analfabetas en la doctrina religiosa y de ligar a los creyentes a la iglesia como parte del ritual. Aquí vemos la continuidad con las prácticas rituales de las sociedades más primitivas. Pero el arte también ayudó al papel de la iglesia como propagandista en jefe de la clase terrateniente en un mundo en el que fueron santificados la monarquía y el señorío.

La producción de arte para el consumo destacado de la nobleza feudal y las cortes reales empieza a acercarse al disfrute del arte "por su propio bien", que es el ideal del mundo burgués. Pero había más que eso. Los reyes dieron objetos valiosos a los señores y caballeros para ayudar a asegurar su lealtad. Esto era importante porque el poder tiende a fragmentar en una sociedad donde los señores grandes y pequeños podrían comandar la lealtad personal de los caballeros y señores menores que ocupaban la tierra de ellos a cambio de servicio militar. Y tenemos pruebas de que la magnificencia artística pura de la corte del emperador franco Carlomagno en el siglo IX, por ejemplo, fue deliberadamente diseñada para impresionar e intimidar. Nadie que visitara su corte habría experimentado nada igual, a excepción de los pocos diplomáticos y comerciantes que habían visitado la corte aún más magnífica del Emperador Bizantino en el extremo más alejado de Europa.

Junto a la gran producción de arte por o para las clases dominantes en la Europa feudal, estaba el arte popular producido por los campesinos para su propio uso. Este generalmente tenía los mismos efectos mágicos y prácticas como en las economías primitivas. Como era el arte de los oprimidos, también podría comenzar a expresar elementos de protesta, generalmente expresados en términos de religión, la ideología dominante de la época. En palabras del sacerdote John Ball, uno de los líderes de la revuelta de 1381 de los campesinos ingleses: "Cuando Adán cavaba y Eva hilaba, ¿quién era entonces un caballero?"

En la edad media más tarde había suficiente excedente económico para permitir que los músicos y actores ambulantes, conocidos como mimos, se ganaran la vida actuando en la calle para los campesinos y habitantes de la ciudad. La gente todavía tenía tan poco para dar a los mimos que no podían permanecer mucho tiempo en cualquier ciudad o pueblo. Eran a menudo poco más que mendigos.

Arte en el mundo burgués

Sólo en el mundo burgués existe la idea de convertirse en norma, de que los propósitos principales de arte son la auto-expresión del artista y el entretenimiento del público. La base material para esto es la venta de las obras y actuaciones de artistas y músicos en el mercado abierto, que se ha convertido en la principal forma en que se financia el arte. El músico Joseph Haydn personifica en una vida la transición entre la producción feudal y burguesa del arte. La mayor parte de su carrera la pasó como un siervo en la corte de los príncipes Esterhazy de Hungría, aunque un siervo muy bien pagado y altamente respetado, ya que era el compositor de la corte de los Esterhazy y director de música. Pero la última parte de la carrera de Haydn se la pasó como músico por cuenta propia, la realización de espectáculos públicos de obras suyas y de otros compositores en muchas de las grandes ciudades de Europa. Por supuesto, como el músico más popular de su día, hizo mucho más dinero como trabajador independiente de lo que nunca haría trabajando para los Esterhazy. Fue el antecedente de las estrellas de rock de hoy en día.

En la sociedad burguesa también vemos por primera vez la división característica del arte en "bellas artes" y el entretenimiento, aunque por supuesto hay algunas similitudes con la división del arte medieval en arte de la corte y el arte popular. Con el entretenimiento, el artista pone en peligro su propia expresión para complacer a los gustos de las masas para que él o ella puedan hacer una vida. Al mismo tiempo, con el control de las grandes empresas de la mayoría de los medios de comunicación del que dependen los artistas, el entretenimiento ha jugado a menudo el papel reaccionario de embrutecer el punto vista de las masas sobre el mundo y alentar el escapismo como alternativa a la lucha de clases.

Las bellas artes, también conocidas por algunos como "arte puro", incluyen la pintura, la escultura y la música clásica. El objetivo del artista puro es seguir siendo fiel al ideal de auto-expresión. Pero incluso los artistas puros más comprometidos tienen que vivir. Para la mayoría de la época burguesa, estos artistas eran ya sea miembros ociosos de la clase capitalista o dependían para su subsistencia del patrocinio de los capitalistas o del Estado burgués. Así, aunque el ideal de las bellas artes fue la auto-expresión, en la práctica tiende a reflejar los gustos y los intereses materiales de la clase burguesa.

Cabe destacar, sin embargo, que, en consonancia con el culto burgués del individuo, ni las bellas artes burguesas ni el arte de masas de los artistas han sido máquinas de propaganda monolíticas en la forma que el arte medieval de la iglesia lo fue. Algunos de los más grandes artistas, en particular, han trascendido los estrechos intereses de la clase capitalista para crear obras que eran profundamente críticas con el mundo despiadado del mercado burgués.

Perspectivas para el arte


Hoy en día, la división entre las bellas artes y el entretenimiento se ha visto cada vez más socavada. A pesar de la aparición de la crisis económica, más y más gente trabajadora tiene el tiempo y los recursos para hacer su propio arte y son cada vez más capaces de llegar a un público sin estar en deuda con cualquiera de los magnates de los medios del mundo del espectáculo o los patrones burgueses de las bellas artes. La base material para este cambio artístico es, como de costumbre, el desarrollo de las fuerzas productivas. Para algunas personas, como mínimo, las horas de trabajo son más cortas y el trabajo menos exigente físicamente que hace un siglo, a pesar de que el cambio ha sido lento e inconsistente. Esto les deja más tiempo y energía para hacer arte. El abaratamiento de la tecnología ha hecho que equipos de grabación de música y vídeo de una calidad disponible hace unas décadas sólo para estrellas de rock y los estudios de cine es ahora accesible incluso a los trabajadores de ingresos bastante modestos. Y el Internet ofrece arte con una plataforma casi gratis en una escala global.

La consecuencia de esta nueva capacidad para los trabajadores a expresarse a través del arte es potencialmente revolucionaria. Esto se puede ver más fácilmente en el reino de la música, la forma de arte que hasta ahora ha beneficiado más a fondo estos cambios. También se ha convertido en algo común tanto para las letras y la tonalidad de la música para expresar su descontento con el mundo en que vivimos. Con la tregua en la lucha de clases a partir de la década de 1980 en adelante y la ausencia de un polo socialista de atracción de masas, esta crítica artística y musical a menudo ha tenido un sabor muy pesimista y negativo. El impulso a la lucha de clases a nivel mundial provocada por la crisis económica de 2008 va a transformar esta tendencia pesimista en un arte más revolucionaria explícitamente en un nivel aún más alto que la música y otras obras de arte que se inspiró en los movimientos sociales de los años 1960 y 1970.

El arte revolucionario surge de las condiciones materiales y lucha de clases y, a su vez refuerza esa lucha de clases. En la forma más práctica, demostrará una vez más que el arte juega un papel fundamental en el cambio social, y que no es simplemente una hermosa decoración.
 

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